И. Н. Крамской. «Букет цветов. Флоксы»
Цветы на рубеже XIX–XX веков изображали по-разному: от трепетности и деликатности импрессионизма до таинственности и многозначности символизма. Одно оставалось неизменным — практически всегда они несли в себе скрытые послания, которые художники закладывали в свои произведения.
На выставке «Цветы. Символ красоты», которая проходит в Третьяковской галерее до 18 октября, это можно увидеть наглядно. Рассказываем, что означают флористические композиции на полотнах знаменитых русских живописцев.
Виктор Васнецов «Букет. Абрамцево» (Начало 1880-х)
Розы
Константин Коровин «Розы. Париж» (1911)
К началу XX века цветочная тема переживала очередной всплеск популярности, и ключевую роль здесь сыграл Константин Коровин. Он создал около 20 живописных картин, посвященных розам. Художник изображал цветы не только на натюрмортах, но и на портретах, пейзажах, ноктюрнах. Как и другие импрессионисты, Коровин видел в розах символ радости жизни. Он стремился поймать ценность каждого мига, поэтому часто изображал такие малозаметные явления, как капли утренней росы на свежих бутонах.
Розы часто возникали и в творчестве другого мастера того времени — Александра Головина. Как и у ряда других портретистов Серебряного века, ярко-розовые и алые розы на его картинах символизировали образ вневременной красоты — иного, неведомого мира. Их художник изящно добавлял в образ своих героинь: они держали цветы в руках, украшали ими прически, а порой в композицию попадал благоухающий букет на столе или розовый куст.
Наталья Гончарова «Автопортрет с желтыми лилиями» (1907)
На выставке в Третьяковской галерее можно увидеть, пожалуй, самую известную работу Натальи Гончаровой — «Автопортрет с желтыми лилиями» (1907). Она написана в период, когда художница увлекалась лучизмом, поэтому формы цветов переданы через падающие лучи света, преломляющие привычный контур предметов.
Интересно, что лилиями Гончарова заменила привычный атрибут автопортрета — палитру художника. И сделала акцент именно на них, оставляя черты лица размытыми. Если в традиционной живописи лилии символизируют чистоту и невинность, то автопортрету Гончаровой ярко-оранжевые цветы придают яркости и экспрессии, в чем улавливается отдаленная связь с живописью Ван Гога.
Сирень
Станислав Жуковский «Терраса в поместье» (1900-е)
Густые кисти сирени привлекали внимание многих русских живописцев: помимо Коровина и Гончаровой, их изображали Михаил Врубель, Петр Кончаловский, Аристарх Лентулов. Каждый из них вносил свою интонацию в их воплощение. К примеру, мистический образ своей «Сирени» (1900) Врубель создавал с помощью особого «мозаичного» мазка и сочетания лилово-розовых и приглушенно-голубых оттенков, которые придавали цветам живую изменчивость.
Если в живописи второй половины ХIХ века кусты сирени — это скорее фон для грустных элегий, то после картин Врубеля ее безграничным разнообразием фактур и богатством оттенков начали вдохновляться и другие художники Серебряного века. Так, она стала одним из любимых мотивов Алексея Исупова, который изобразил ее даже на автопортрете, где нашла продолжение и коровинская традиция воплощения мира чувств моделей посредством изображения цветов.
Орхидеи
Александр Осмеркин «Профиль и цветы» (1946)
В «Прекрасную эпоху» орхидеи нередко становились частью изящных орнаментов. Природные формы подчеркивали динамику роста, движение вперед. Орнамент в модерне транслировал метафоры. Например, бутоны символизировали появление новой жизни. Помимо чисто эстетической и межтекстовой составляющих, художники той эпохи часто обращались к национальному искусству, к художественным традициям народа.
Эталон здесь — картина «Орхидеи» (1913) Натальи Гончаровой, которая скорее напоминает красочное живописное панно, чем традиционный цветочный натюрморт. Художница намеренно использовала крупные и заостренные формы, как в орнаментах. Главные акценты композиции — движение линейных ритмов, энергия и изысканность цвета.
